Gros plan sur les sports à l’écran : les défis cinématographiques de la représentation

Compte-rendu de la journée d’étude du LASLAR, co-organisée par Camille Cellier (doctorante) et Philippe Ortoli (Professeur), qui s’est tenue le 23 novembre à la MRSH.

Dans un contexte où les sports sont à l’honneur – ainsi que l’attention de vastes publics et audiences-, entre coupe du monde de rugby sur le sol français (automne 2023) et perspective des Jeux Olympiques parisiens (été 2024), il nous a paru opportun de porter notre regard sur la représentation des sports dans le cinéma de fiction, un défi sportif en soi, au vu de la pléthore de productions sur tous les continents, et ce, depuis les débuts du 7ème art. Dès lors, comment faire du sens à partir de la masse d’images et de récits sportifs qui nous entourent, quel(s) terrain(s) d’entente entre muscles et caméra ?

Nos travaux s’inscrivent dans l’axe de recherche du LASLAR portant sur « l’œuvre dans ses contextes », car il nous semble que les films de sport peuvent effectivement se lire comme des « productions artistiques et culturelles qui [proposent] des représentations et des manières de penser le monde ».

Outre une appétence pour la scrutation du spectacle sportif, nous souhaitions opérer à la manière de notre objet d’études, à savoir selon le principe du jeu, d’après la définition de Johan Huizinga : au-delà du simple phénomène physiologique, les jeux du sport « disent quelque chose[1] » dans et de notre culture. C’est par jeu du contrepoint que nous avons choisi de problématiser la représentation des sports au cinéma, au-delà de tout préjugé – c’est que le sport, et surtout son spectacle, véhicule encore une certaine image dépréciée, de « mauvais » objet, bas, vil et exhibitionniste. Pourtant, les travaux en neurosciences ne cessent de confirmer la continuité entre vie physique et vie psychique (cf Antonio Damasio). « Création spirituelle[2] », le jeu, du sport à l’écran, en ce qui nous concerne, nous interroge : comment figurer le mouvement, la performance, le langage d’un corps qui frise les limites humaines, comment se construisent les personnages au sein de telles intrigues, quelle emprise diégétique du sport au creux de la pellicule ?

En outre, l’essence théâtrale du sport favorise la dramaturgie d’ascensions, de sacrifices consentis, de chutes, ce qui entraîne d’autres questionnements : comment le cinéma observe-t-il le corps sportif, de quelle façon crédibilise-t-il les hauts faits de l’effort intense, comment traduire la motivation et la quête de perfection ?

Toutefois, il apparaît vite que la salle de cinéma ne se contente pas de diffuser l’évocation d’exploits sous forme d’hypotyposes. Le sport depuis le fauteuil du spectateur « bouge » son public, en empoignant la question de l’intime à bras le corps, de l’identité sexuelle, du genre, et il traduit des luttes autant contre les limites corporelles que celles, tout aussi aliénantes, des normes et des sociétés.

           Une Table Ronde a été l’occasion de s’interroger sur la question du spectaculaire, en commençant par tenter de circonscrire le genre « film sportif » – si genre il y a.

            ■ JULIEN CAMY, journaliste, co-auteur de Sports & cinéma, réalisateur  a d’abord essayé de tracer une ligne de démarcation entre films où l’activité physique laisse des traces et films ouvertement définissables par une ou des disciplines sportives, puis, pour quadriller l’espace d’action du sport, a distingué manifestations « live » où prime la performance et fictions sur le grand écran où le sport est représenté, c’est-à-dire feint, stylisé, retravaillé au goût de la caméra, selon un contrat de croyance passé avec le spectateur – lequel sera développé par notre intervenant GUILLAUME AGARD, plus spécifiquement dans le cas du catch. De plus, le cinéma porte une attention toute particulière à la topographie du cadre sportif, de ces lieux « consacrés, séparés, clôturés, sanctifiés, et régis à l’intérieur de leur sphère par des règles particulières[3] », un point sur lequel Thomas CHOURY reviendra, d’un point de vue autant cinématographique qu’artistique sous forme de constat : la caméra vise à organiser le regard vers le centre, celui-ci pouvant être symbolisé à la perfection par le ring de boxe ou de catch.

La temporalité subit des distorsions semblables à l’espace – Paola PALMA illustrera ce point à partir du ralenti dans Palombella Rossa[4], offrant un aperçu du temps mental du personnage.

Par ailleurs, les personnages contribuent aussi à la fictionnalisation du sport (goût particulier du cinéma pour l’archétype des underdogs, ces personnages de laissés-pour-compte de la société,  losers et/ou opprimés).

Julien Camy n’a pas manqué d’attirer l’attention sur l’évolution des techniques de tournage (telle que la miniaturisation des caméras – ou la création d’un matériel spécialement pour les besoins du film : caméra anti-submersion pour filmer l’apnée ou mini steady-cam capable de se faufiler au niveau du gazon de football – cf la communication de Camille Cellier).

            ■ D’où un prolongement plus explicitement consacré au genre, par PHILIPPE ORTOLI, observant que le film de sport peut se rattacher historiquement à la comédie, au mélodrame, au film criminel et aux films dits de prison, à condition que le sport soit central, et non simple péripétie dans le récit, et guidé par le principe du jeu constitutif de l’homo ludens. Il est également possible de relever des schémas-types, et l’on note la permanence de la question du corps, optimisé « pièce à pièce » tel un « matériel hypertextuel » et in fine vecteur de fantasmes eugénistes[5]. – Vers sa dissolution ? C’est l’hypothèse formulée par Camille Cellier, d’après l’esthétique adoptée dans maints films mettant en évidence le mal-être de l’athlète ; l’image à son tour tend à estomper les limites corporelles et en dissiper l’enveloppe. De cette façon, les réalisateurs proposent une réflexion sur les dérives du sport (corruption, racisme, dopage…), pointant du doigt la force symbolique de l’activité physique : lutter pour se dépasser revient à lutter pour dépasser toute forme d’oppression, et par extension, établir un idéal d’éthique.

Enfin, définir le genre implique de le délimiter : aux confins de ce dernier, la danse, les arts martiaux… – la dimension artistique partage avec le « pur » sport ses motifs de l’effort répété et de l’entraînement.

Julien Camy a attiré notre attention sur le fait que la popularité des films de sport suit celle qui se rapporte à tel ou tel sport : ainsi, la France des années 50 se passionne pour la petite reine, alors fleurissent les films sur le vélo. La catch connaît une renaissance à partir des années 90, aussitôt le cinéma suit le courant.

            ■ Les chercheurs EMMANUEL AUVRAY (Dc en STAPS, membre associé à HisTéMé) et IVAN BELLAUNAY (Professeur d’éducation physique) se sont joints à nous afin d’éclairer notre problématique du point de vue « STAPS » (sciences et techniques des activités physiques et sportives), qui nous tenait à cœur. Pour ce faire, ils ont choisi un de leurs domaines de prédilection, sur lequel ils ont notamment publié des articles : les sports aquatiques, selon un principe diachronique (1931-2023), dans un souci d’ordonnancement d’un corpus particulièrement fourni, en prenant la précaution de séparer d’emblée la nage sportive, de compétition, de celle, plus existentielle, d’apprentissage, utile pour  la fuite, la survie, par exemple.

Lorsque la compétition règne dans les bassins au cinéma s’active la « figure de l’hypnotiseur » (Siegfried Kracauer). Si la description de l’excellence (corps magnifiés, muscles sublimés par l’usage du téléobjectif, nageuses-sirènes comme Esther Williams) peut distraire, satisfaire les masses, elle risque aussi de les canaliser, au point de les envoûter, jusqu’à adhérer à des idéologies douteuses (cf Les Dieux du stade de L. Riefenstahl, 1938, au service du régime nazi). Il demeure qu’une catégorie entière de films de natation propose un regard idéalisé, louant la beauté plastique et la perfection. A contrario se décline toute une palette d’œuvres réflexives qui sont le pivot pour penser le sportif et/ou la société. Il est alors question d’émancipation (des femmes, des minorités), de mixité, de dénonciation des discriminations (homophobie, stéréotypes de genre, racisme, âgisme) et des V.S.S. (acronyme pour Violences Sexistes et Sexuelles), de contestation des modèles sociétaux, soit une perspective plus critique que le traditionnel divertissement univoque.

Le plongeon olympique pour dénoncer les violences sexistes et sexuelles (La Caída de Lucia Puenzo, 2022)

            ■ Avec PAOLA PALMA, maîtresse de conférences à Unicaen, membre HisTéMé, chercheuse associée à Thalim, notamment spécialiste des liens entre littérature et cinéma et des coproductions cinématographiques franco-italiennes, nous restons dans le domaine aquatique, au travers d’une analyse de Palombella Rossa (op.cit.). Moretti est un réalisateur habitué à filmer le sport (tennis, volley…), mais cet opus, à part, met vraiment l’accent sur le water-polo, sport délicat à filmer et qu’a pratiqué à haut niveau l’auteur de la Chambre du fils. Pour l’anecdote (prémonitoire?), Moretti a de fait été regista, ce qui peut se traduire par « meneur de jeu », soit le substantif qui désigne aussi le réalisateur ! C’est donc une expérience personnelle que Moretti convoque ici, via la figure de son alter ego (qu’il interprète). Michele Apicella, amnésique, a l’occasion de se laver de ses névroses dans l’univers aquatique. Le cadre topographique où il évolue a réclamé un aménagement sur mesure, vintage (en symétrie avec sa mémoire usée et dysfonctionnelle), aux coloris pastels étudiés et à la photographie soignée jusqu’à l’abstraction, écho au changement profond pour le réalisateur, dont c’est le premier tournage hors de Rome. Paola Palma a choisi de s’attarder sur la figure de style du ralenti, qui ponctue les moments-clés de l’anti-héros, notamment lors de ce lob raté à l’origine du titre. Finalement, le sport dans la narration de Moretti se lit comme la métaphore d’une quête identitaire totale, sur un axe qui se déroule du personnel au politique et au tâtonnement ontologique : mettre en jeu son propre corps pour mieux s’exténuer soi-même, selon l’intéressé.

Palombella rossa (Nanni Moretti, 1986)

            ■ THOMAS CHOURY, (diplômé de l’IEP-Paris et de la FEMIS, auteur de critiques de cinéma et collaborateur dans diverses structures festivalières) s’apprête à engager une thèse en Recherche-Création autour du regard dans l’esthétique audiovisuelle sportive. Grâce à ses illustrations sur le zoom et le ralenti, il nous invite à saisir l’architecture souterraine du spectacle sportif planétaire, afin de « dépasser la limite de l’œil », en remontant aux sources du cinéma d’avant-garde des années 20 et 30, où le cinéma scientifique fascine. Organiser le regard passe par la confrontation du sport, poussé dans ses retranchements (celui d’un espace-temps proliférant comme en athlétisme où plusieurs compétitions se chevauchent), au cinéma, entre aspiration scientifique au « vrai » et désir poétique (« images-caresses », E. Bloch). Cette dialectique s’opère dans le même élan que le travail sur le corps, lui aussi en tension, entre homo-érotisme et narcissisme, vers l’élaboration d’une image au temps composite (le ralenti du « présent »  ne serait qu’une survivance du passé) et aux tendances abstraites, comme nous avons déjà eu l’occasion de le mentionner, et purement artistiques, sans visée utilitaire (enregistrement du détail, du banal).

Figure 1. Travelling ralenti de la finale du 100 mètres, Jeux olympiques de Rio de Janeiro, France Télévisions (captures d’écran) – Figure 2. Zoom ralenti d’un dribble de Lionel Messi, LaLiga, Saison 2015-2016, BeIN Sports (captures d’écran

            ■ NATHALIE DUPONT, MCF-HDR en histoire et culture des États-Unis, coresponsable de la section anglais à l’ULCO (Boulogne-sur-Mer), cofondatrice de CinEcoSA a publié Between Hollywood and Godlywood : the Case of Walden Media (Peter Lang, 2015). Sa communication porte sur le sport et la religion à Hollywood, un mariage depuis les débuts de l’industrie cinématographique de la côte Ouest – les Chrétiens «pèsent » un poids considérable, une fois transcrit en nombre de potentiels spectateurs. Le conservatisme religieux et la morale imprègnent le code Hays (influence notable des Catholiques et des Protestants). Le cinéma chrétien doit cependant faire un détour par les ondes, afin de concevoir un modèle économiquement viable. La compagnie de production du pasteur baptiste Billy Graham change la donne. Des méga-églises aux allures de stadium poussent dans la Bible Belt, et le cinéma devient le convoyeur d’un contrôle des mœurs (de la part des Presbytériens) tout en permettant un prosélytisme efficace – notamment lors de succès au box-office, à l’instar de Facing the Giants (Alex Kendrick, 2006). L’Église pourvoit aux moyens marketing spécifiques, ne néglige ni l’aspect pédagogique (« movie guides »  aux ambitions didactiques : explicitation des liens avec le Texte, réflexion sur un thème à l’aide d’un extrait choisi) ni l’aspect financier (ces guides de repérage dans les films sont un marché juteux).

Néanmoins, ce sous-genre dépasse peu les frontières du territoire américain (distributeurs étrangers frileux), de par son intérêt pour des sports typiquement nationaux (football américain) ; il doit aussi faire face au sentiment et préjugés anti-américains, et en définitive, s’exporte mal, à de rares exceptions.

            ■ GUILLAUME AGARD, doctorant Unicaen (thèse en préparation sur le comique propre à Clint Eastwood),  a communiqué sur Hitchcock, Twin Peaks ou encore Batman 66 et le cinéma de science-fiction. Cette fois, il s’interroge sur le statut ambivalent du catch, entre sport et spectacle, divertissement assurément : « it’s not fake, it’s fixed », ainsi que le souligne son titre de communication. En effet, si les combats sont mimés, arrangés (ce qui n’a été rendu officiel qu’en 1989), contrairement aux règles d’autres sports de combat (boxe, judo, arts martiaux : combats « à la régulière »), les coups sont eux bien réels, et l’entraînement, exigeant. Par conséquent, c’est à un sport-fiction que nous convie le cinéma, sous forme de pacte de suspension d’incrédulité (le « Kayfabe », soit « be fake » dans un arrangement syllabique proche du louchébem – l’origine reste cependant sujette à caution). À partir de cette donnée fondamentale, deux tendances cinématographiques s’affrontent :

– les films qui font croire à l’authenticité du combat, favorisant la figure du super-héros et le façonnage hollywoodien de success-stories,

– aux antipodes, la tendance à faire voler l’illusion en éclats, pour proposer un regard plus noir, plus violent et plus  proche du documentaire.

De quoi générer des télescopages entre le réel (vraies stars du catch « jouant » leur rôle sur un plateau  de tournage) et la fiction (des stars de cinéma participent à des spectacles de catch) : le doctorant se propose de considérer le catch au cinéma comme un divertissement transmédia.

The Wrestler (Darren Aronovfsky, 2008)

            ■ CAMILLE CELLIER, également doctorante Unicaen, par ailleurs enseignante dans le secondaire (lettres modernes-cinéma) et chargée de cours en licence participe régulièrement à des manifestations scientifiques et est l’autrice d’articles variés (Chabrol, Kaurismäki, Carpenter) ; elle propose un éclairage sur le traitement du film de football féminin contemporain au travers de comédies feel-good des années 2000, et plus précisément de la figure de la footballeuse, tandis que ce sport demeure le bastion d’une masculinité impérialiste, selon les travaux de sociologie (sans nier pour autant des évolutions favorables). Des tendances se dessinent, telles que la valorisation de la technicité, via un travail d’interprétation très engagé physiquement (jeu aussi naturaliste que possible) et d’illusion de la compétence (artifices par le montage, les b.o. rythmées) et l’insistance scénaristique à mettre en scène une guerre des sexes comique, où la femme sportive bataille dur et devient une héroïne insubmersible. Camille Cellier rappelle que l’arrière-plan socio-historique constitue un incontournable (autorisation maritale pour obtenir une licence en club, opprobre sociale à « montrer ses jambes » en public…), de manière à faire du film de foot féminin un complice, sinon un témoin engagé de l’émancipation féminine au fil des décennies. En définitive, ce type de comédies bouscule par le rire l’assignation genrée. Malgré ces intentions en apparence féministes, la doctorante pointe le trompe-l’œil de cette transgression des normes genrées. En effet, la comparaison avec le milieu masculin demeure fréquente (or, elle n’existe pas dans les films de football masculin), les personnages de footballeuses restent cruellement stéréotypés et sont définis par rapport aux hommes selon des critères traditionalistes (mariage hétérosexuel, accomplissement personnel par l’amour, enfants) : ainsi, les happy-ends laissent un goût amer d’une victoire incomplète en ce qui concerne la représentation de la femme en crampons…

Pour conclure, cette journée d’études a tenu ses promesses de délivrer des perspectives diversifiées, offrant échos et rebonds, un matériel riche qui ne peut manquer de stimuler nos recherches, vers un projet de publication collective.


[1]Huizinga, Johan, Homo Ludens, Essai sur la fonction sociale du jeu, tél Gallimard, Essais , 1951, 1988, 2022, ISBN 978-2-07-071279-3/, p. 16

[2]Ibid., p.27

[3]Huizinga J., ibid., p.27

[4]Palombella Rossa, Nanni Moretti, 1989

[5]Le Sport, le diable au corps, Queval Isabelle, Le Pommier, 2020, INSEP Robert Laffont, Paris, 2021, ISBN 978-2-221-2531862, p.31



Citer ce billet
Camille Cellier et Philippe Ortoli (2023, 5 décembre). Gros plan sur les sports à l’écran : les défis cinématographiques de la représentation. Le carnet de la MRSH. Consulté le 22 juin 2024, à l’adresse https://doi.org/10.58079/rnx6

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